Historia del arte abstracto
Ein Meerhafen (“Un puerto de mar”), paisaje figurativo del artista austriaco Johann Anton Eismann (1604-1698), que representa edificios, personas, barcos y otros elementos que pueden distinguirse individualmente; por el contrario, el paisaje abstracto de abajo sugiere su tema sin representarlo directamentePaisaje expresionista abstracto sin título del artista estadounidense Jay Meuser (1911-1963)
El arte figurativo, a veces escrito como figurativismo, describe las obras de arte (especialmente pinturas y esculturas) que se derivan claramente de fuentes de objetos reales y, por tanto, son, por definición, representativas. El término suele contraponerse al arte abstracto:
La pintura y la escultura pueden dividirse, por tanto, en las categorías de figurativo, representativo y abstracto, aunque, en sentido estricto, el arte abstracto se deriva (o abstrae) de una fuente figurativa u otra natural. Sin embargo, “abstracto” se utiliza a veces como sinónimo de arte no representativo y arte no objetivo, es decir, el arte que no se deriva de figuras u objetos.
Forma abstracta de pintar
El término se ha utilizado especialmente desde la llegada del arte abstracto para referirse a los artistas que conservan aspectos del mundo real como tema, aunque en un sentido general figurativo también se aplica retrospectivamente a todo el arte anterior al arte abstracto.El arte figurativo moderno puede considerarse distinto del realismo moderno en el sentido de que el arte figurativo utiliza modismos modernos, mientras que los realistas modernos trabajan en estilos anteriores al postimpresionismo (más o menos). De hecho, el arte figurativo moderno es más o menos idéntico a la corriente general del expresionismo que puede rastrearse a lo largo del siglo XX y en adelante.Picasso después de aproximadamente 1920 es el gran ejemplo de la pintura figurativa moderna, y Alberto Giacometti desde aproximadamente 1940 es el gran escultor figurativo. Después de la Segunda Guerra Mundial, la figuración puede rastrearse a través de la obra de Francis Bacon, Lucian Freud y los demás artistas de la Escuela de Londres, y a través del arte pop, el neoexpresionismo y la pintura del nuevo espíritu.
Arte figurativo
El término se ha utilizado especialmente desde la llegada del arte abstracto para referirse a los artistas que conservan aspectos del mundo real como tema, aunque en un sentido general lo figurativo también se aplica retrospectivamente a todo el arte anterior al arte abstracto.El arte figurativo moderno puede considerarse distinto del realismo moderno en el sentido de que el arte figurativo utiliza lenguajes modernos, mientras que los realistas modernos trabajan en estilos anteriores al postimpresionismo (más o menos). De hecho, el arte figurativo moderno es más o menos idéntico a la corriente general del expresionismo que puede rastrearse a lo largo del siglo XX y en adelante.Picasso después de aproximadamente 1920 es el gran ejemplo de la pintura figurativa moderna, y Alberto Giacometti desde aproximadamente 1940 es el gran escultor figurativo. Después de la Segunda Guerra Mundial, la figuración puede rastrearse a través de la obra de Francis Bacon, Lucian Freud y los demás artistas de la Escuela de Londres, y a través del arte pop, el neoexpresionismo y la pintura del nuevo espíritu.
Objetivo del expresionismo abstracto
En su nueva obra, Andrea Carpita se centra en instantáneas aisladas de la vida cotidiana. Estas representaciones exploran motivos creativos y establecen una relación entre la pintura, el dibujo digital y la fotografía. Intrigado por la mezcla de lo figurativo y lo abstracto, Carpita lo consigue a través de visualizaciones manipuladas digitalmente, jugando con formas abstractas en composiciones aisladas y solitarias. Formando un vocabulario pictórico entre la imaginería figurativa y la abstracción, Carpita presenta figuras anónimas, principalmente masculinas, cuyas acciones parecen capturadas fotográficamente. Haciendo gala de la fidelidad en los detalles y conservando las representaciones elaboradas, estas escenas parecen simular simples acciones cotidianas como fumar un cigarrillo, leer un libro o incluso simplemente abrir la puerta de un coche. Las composiciones del artista evocan lecturas contemporáneas de la realidad, que resultan familiares al espectador.
Para su proceso, Carpita se basa en el descubrimiento de fotografía y arte musical en Internet. Aclara la importancia de encontrar estas imágenes. “Exploro páginas web o redes sociales, seleccionando una serie de fotografías que compondrán mis futuros cuadros”, añade el artista. Estas fuentes construyen la primera base de sus cuadros, que finalmente se convierten en algo más allá de las referencias iniciales. “Pasé los dos últimos años trabajando sobre Kurt Cobain y Daniel Johnston. Sigo trabajando en ello porque están extremadamente conectados entre ellos y conmigo, -cuando era adolescente, estaba muy obsesionado con Nirvana, la música grunge y la subcultura de los 90”. En estas nuevas pinturas, el artista expresa sus experiencias personales en nuevas formas de creatividad en sus lienzos. Una especie de lenguaje pictórico continúa en el nuevo cuerpo de trabajo a través de una paleta de colores oscuros, técnicas minimalistas y una estética urbana. La obra presenta una imagen clara de un joven, o bien crea un foco de atención sobre una imagen mayor. Puede tratarse de un retrato sin cabeza de un hombre cruzado de brazos o de un perfil de un hombre representado en una instantánea recortada. Estas obras confirman la concentración del artista en imágenes orientadas al detalle y en visualizaciones particulares.